En 2010, la UNESCO declaró patrimonio cultural de la humanidad a la cocina tradicional mexicana. Una cocina que tiene como común denominador la trifecta maíz, frijol y chile.
Ariadna Arriaga
Regina Rojas · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Mauricio Martínez · 2026
Ana Jimena Flores · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Mauricio Martinez · 2026
Conrado Lorenzana
María Fernanda Leyva · 2026
Cecilia Mancera · 2026
Salvador Banda · 2026
Ana Jimena Flores · 2026
Salvador Banda · 2026
Mauricio Martinez · 2026
Ana Jimena Flores · 2026
Claudia Méndez · 2026
Claudia Méndez · 2026
Ana Jimena Flores · 2026
Brujas del Maíz · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Sara Cardona · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Brujas del Maíz · 2026
Salvador Banda · 2026
Conrado Lorenzana
Sara Cardona · 2026
Salvador Banda · 2026
Ana Jimena Flores · 2026
Leticia Barradas · 2026
Brujas del Maíz · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Salvador Banda · 2026
Regina Rojas · 2026
Melissa Gabriela · 2026
Vika Álvarez
Ana Jimena Flores · 2026
18. Ana Jimena Flores, “Sopes”, 2026
19. Brujas del Maíz, “Tamal de Pollo”, 2026
20. Melissa Gabriela, “Enchiladas”, 2026
21. Sara Cardona, “Bu’pu, 2026
22. Melissa Gabriela, “Tlacoyos”, 2026
23. Brujas del Maíz, “Tamal de Puerco”, 2026
24. Salvador Banda, “Gringas”, 2026
25. Conrado Lorenzana, “Tacos al pastor”
26. Sara Cardona, “Guetaguu chachi”, 2026
27. Salvador Banda, “Pozole”, 2026
28. Ana Jimena Flores, “Totopos”, 2026
29. Leticia Barradas, “Tamales de elote”, 2026
30. Brujas del Maíz, “Tamal de Dulce”, 2026
31. Melissa Gabriela, ”Champurrado”, 2026
32. Salvador Banda, “Enfrijoladas”, 2026
33. Regina Rojas “Atole”, 2026
34. Melissa Gabriela, ”Sopa de Tortilla”, 2026
35. Vika Álvarez
36. Ana Jimena Flores, “Flautas”, 2026
Cultivos que han sostenido la cultura y la sociedad mexicana desde el México prehispánico, manteniendo su lugar prioritario en la cocina durante el mestizaje culinario del virreinato, el afrancesamiento del porfiriato y las influencias diversas derivadas de la migración internacional del siglo XX.
Las preparaciones culinarias mexicanas han tenido transformaciones; se han mezclado, sustraído y sumado ingredientes.
La única preparación alimenticia que se conserva básicamente como en la época prehispánica es la tortilla de maíz. [1]
es la raíz de una de las ramas del gran árbol de preparaciones culinarias derivadas del maíz nixtamalizado. La masa y el elote la acompañan.
Los tacos de asada, al pastor, de carnitas o de cochinita pibil son apenas una muestra de cómo una misma base viaja por el centro, el norte y el sur del país cargando tradición regional.
En XMX se reúne el trabajo de ilustradores, artistas plásticos y visuales para explorar cómo vivimos, consumimos y experimentamos algunos de los usos alimentarios del maíz.
reflejan la percepción estética de tomar, de comer y de sentir este cultivo.
[1] N. Iturriaga, J., “Historia de la cocina mexicana” en Festín de Sabores. Banquete Mexicano, Catálogo de Exposición. Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, Museo Nacional de Arte, 2023, p.55
Ariadna Arriaga, pero le dicen Mila, desde hace más de 10 años decidió que quería y podía vivir del arte.
Diseñadora con vocación de artista, le gusta pintar murales, las flores, los bichos y el color verde. Vende prints pero también realiza proyectos de arte.
Su propósito en la vida es pasarla bien mientras pinta obras para ti.En su trabajo verás muchos bichos, flores, y color verde.
Es mamá y sus hijos serán siempre su mayor fuente de inspiración.
Regina Rojas (Ciudad de México, 1999) es diseñadora egresada de la Universidad Autónoma Metropolitana.
El dibujo fue lo que despertó su interés por el diseño gráfico. Hoy encuentra en la creatividad una excelente excusa para seguir siendo curiosa y explorar nuevas ideas. Aunque con el tiempo su trabajo ha tomado distintas formas, siempre termina encontrando el camino de vuelta a su libreta.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México
Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Mauricio Martínez Cosío es diseñador, director de arte y creativo multidisciplinario. Desde la CDMX desarrolla proyectos de branding, narrativa visual, cómics y campañas publicitarias. Encuentra en el dibujo una forma de explorar historias e ideas que complementan su trabajo creativo. Es papá de Luca y Bastian; melómano; cinéfilo y está siempre en busca de las mejores garnachas de la ciudad. Le fascinan los proyectos que dejan algo positivo en su entorno. Se rumora que tener una de sus piezas en casa atrae salud, fortuna y buen humor.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Mauricio Martínez Cosío es diseñador, director de arte y creativo multidisciplinario. Desde la CDMX desarrolla proyectos de branding, narrativa visual, cómics y campañas publicitarias. Encuentra en el dibujo una forma de explorar historias e ideas que complementan su trabajo creativo. Es papá de Luca y Bastian; melómano; cinéfilo y está siempre en busca de las mejores garnachas de la ciudad. Le fascinan los proyectos que dejan algo positivo en su entorno. Se rumora que tener una de sus piezas en casa atrae salud, fortuna y buen humor.
Conrado Lorenzana. México.
Artista visual mexicano. Su práctica explora el color como lenguaje autónomo, prescindiendo del negro y del contorno como elementos de definición. En su obra, las formas se construyen a partir del encuentro entre campos de color, contrastes y tensiones cromáticas.
Lorenzana mantiene una presencia deliberadamente discreta y entiende la creación como un territorio de libertad, alejado de la necesidad de reconocimiento personal.
Su trabajo busca que la obra exista antes que el autor y que el color encuentre su propia manera de ocupar el espacio.
Maria Fernanda Leyva, Coahuila. Su formación abarca animación, ilustración y fotografía. Becada por el taller de gráfica “el Chanate” y graduada de ingeniería en efectos visuales por la universidad Politécnica. Su práctica apunta a paisajes conocidos de la geografía norteña y el centro de México.
Cecilia Mancera (México) es artista visual cuya práctica artística es el eje central de su trayectoria. Tiene licenciatura en Economía y estudios de posgrado en Psicología.
Su formación en artes plásticas fue autónoma y se nutrió del intercambio cercano con Rodolfo Zanabria, Gabriel Macotela y Philip Bragar. También asistió a cursos en la Academia de San Carlos y La Esmeralda. Su trabajo ha sido reconocido con el premio “Hilla Rebay” del Museo Guggenheim NY y mención honorífica en la Bienal Salvador Zubirán. Ha expuesto en México, Suiza, Uruguay y Estados Unidos (EUA), destacando muestras individuales en Berna (Suiza) y la Ciudad de México. Ha participado en colectivas en Los Ángeles (EUA), Punta del Este (Uruguay) y México.
Ha colaborado en cine, teatro, televisión y educación artística con instituciones como el Museo Guggenheim NY, Museo de Arte Moderno, Museo Tamayo, Museo Carrillo Gil y en programas de promoción cultural en la Secretaria de Educación Pública (SEP).
Salvador Banda (1996) creció en el Bajío, en un contexto marcado por contrastes que influyeron en su formación. Su experiencia se configuró entre la territorialidad y los vínculos afectivos en el ámbito post nacional. Esta condición atraviesa su práctica y orienta una reflexión sobre la pertenencia y las narrativas que nos constituyen. Su práctica se sitúa en el espacio urbano y su continua reconfiguración, así como en la noción de territorio y las identidades asociadas a este. Concibe el paisaje urbano como un palimpsesto que vela y devela capas de sentido a partir de elementos como el graffiti, el rótulo, la arquitectura y la publicidad.
Salvador observa la cotidianidad como un campo de negociación y resistencia, donde gestos mínimos y acciones aparentemente no normativas conforman un imaginario colectivo de micronarrativas frente a discursos hegemónicos. En un contexto donde el tiempo se mide desde la productividad y el control, su obra propone formas alternativas de comprender el espacio y la temporalidad más allá de modelos utilitarios y lineales.
Le interesa lo pictórico no solo como práctica material, sino como un lenguaje que estructura la percepción y permite leer el entorno como campo de significados en constante transformación. Su trabajo se articula desde una práctica expandida que dialoga con su historicidad y la ficción sin desvincularse del presente.
Actualmente radica en Ciudad de México donde cursa la maestría en Artes Visuales de la UNAM.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.
Salvador Banda (1996) creció en el Bajío, en un contexto marcado por contrastes que influyeron en su formación. Su experiencia se configuró entre la territorialidad y los vínculos afectivos en el ámbito post nacional. Esta condición atraviesa su práctica y orienta una reflexión sobre la pertenencia y las narrativas que nos constituyen. Su práctica se sitúa en el espacio urbano y su continua reconfiguración, así como en la noción de territorio y las identidades asociadas a este. Concibe el paisaje urbano como un palimpsesto que vela y devela capas de sentido a partir de elementos como el graffiti, el rótulo, la arquitectura y la publicidad.
Salvador observa la cotidianidad como un campo de negociación y resistencia, donde gestos mínimos y acciones aparentemente no normativas conforman un imaginario colectivo de micronarrativas frente a discursos hegemónicos. En un contexto donde el tiempo se mide desde la productividad y el control, su obra propone formas alternativas de comprender el espacio y la temporalidad más allá de modelos utilitarios y lineales.
Le interesa lo pictórico no solo como práctica material, sino como un lenguaje que estructura la percepción y permite leer el entorno como campo de significados en constante transformación. Su trabajo se articula desde una práctica expandida que dialoga con su historicidad y la ficción sin desvincularse del presente.
Actualmente radica en Ciudad de México donde cursa la maestría en Artes Visuales de la UNAM.
Mauricio Martínez Cosío es diseñador, director de arte y creativo multidisciplinario. Desde la CDMX desarrolla proyectos de branding, narrativa visual, cómics y campañas publicitarias. Encuentra en el dibujo una forma de explorar historias e ideas que complementan su trabajo creativo. Es papá de Luca y Bastian; melómano; cinéfilo y está siempre en busca de las mejores garnachas de la ciudad. Le fascinan los proyectos que dejan algo positivo en su entorno. Se rumora que tener una de sus piezas en casa atrae salud, fortuna y buen humor.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.
Claudia Méndez (México) es una artista visual cuya obra explora las problemáticas de género y la relevancia de la creación femenina dentro del arte contemporáneo. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, ha desarrollado una trayectoria comprometida con la visibilización del trabajo de las mujeres artistas y la reflexión sobre la identidad, la resistencia y la memoria colectiva. Su obra ha sido exhibida en más de cincuenta exposiciones individuales y colectivas en México, España, Italia, Inglaterra, Argentina, Cuba, Ecuador y Estados Unidos, en espacios emblemáticos como el Palacio de Bellas Artes, el Museo de la Mujer de la UNAM y el Museo Numismático de Toluca. Ha coordinado proyectos artísticos de gran alcance, entre ellos Pandémicos Colectivos: Rostros de Libertad, Nosotras creadoras tejiendo redes y Memorial: Héroes frente al Covid, que reunieron a más de 150 artistas. Además, imparte talleres y conferencias que impulsan la reflexión sobre el arte hecho por mujeres. Su trabajo forma parte de colecciones privadas en México y el extranjero.
Claudia Méndez (México) es una artista visual cuya obra explora las problemáticas de género y la relevancia de la creación femenina dentro del arte contemporáneo. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, ha desarrollado una trayectoria comprometida con la visibilización del trabajo de las mujeres artistas y la reflexión sobre la identidad, la resistencia y la memoria colectiva. Su obra ha sido exhibida en más de cincuenta exposiciones individuales y colectivas en México, España, Italia, Inglaterra, Argentina, Cuba, Ecuador y Estados Unidos, en espacios emblemáticos como el Palacio de Bellas Artes, el Museo de la Mujer de la UNAM y el Museo Numismático de Toluca. Ha coordinado proyectos artísticos de gran alcance, entre ellos Pandémicos Colectivos: Rostros de Libertad, Nosotras creadoras tejiendo redes y Memorial: Héroes frente al Covid, que reunieron a más de 150 artistas. Además, imparte talleres y conferencias que impulsan la reflexión sobre el arte hecho por mujeres. Su trabajo forma parte de colecciones privadas en México y el extranjero.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.
Brujas del Maíz es un proyecto visual creado por Ariel Priego y Lucia M. Espinosa que explora la relación entre imagen, identidad, memoria y cultura mexicana desde una mirada contemporánea, simbólica y emocional. A través de ilustración, gráfica experimental y exploración material, desarrollan piezas inspiradas en lo ritual, lo doméstico, lo fantástico y lo cotidiano, construyendo universos visuales donde distintos elementos de la experiencia mexicana dialogan entre sí.
Su trabajo toma referencias de la cultura popular, los imaginarios colectivos, la transformación corporal, la gastronomía, los objetos cotidianos, el archivo íntimo y las narrativas que habitan en la vida diaria. Vapor, humo, tinta, textura, anatomía y simbolismo aparecen constantemente dentro de composiciones que buscan generar cercanía, extrañeza y reconocimiento al mismo tiempo.
Brujas del Maíz que hechizan con su creación híbrida donde arte, sensibilidad y experiencia personal se mezclan para reinterpretar lo mexicano desde nuevas posibilidades visuales.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México
Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Sara Cardona nació en la Ciudad de México, donde vive y trabaja. Creció en una familia de artistas de cine y teatro. Estudió en el Instituto de Arte de Kansas City, en la escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en Skowhegan, Maine, y recibió una licenciatura en Humanidades de la Universidad de Austin, TX, tanto como una Maestría en Artes Plásticas de la escuela Tyler School of Art en Filadelfia, Pensilvania. También recibió la beca Nasher Artist en el 2020 por su trabajo en escultura.
Su arte explora la intersección entre el artificio, el espectáculo, la fotografía y la construcción escénica.
Utiliza el proceso analógico de cortar y pegar para crear collages en la tradición del
ensamblaje. Estos collages, tanto de cuadros como de esculturas en papel, aluminio y materiales cotidianos al estilo de arte povera, constituyen una estética arraigada en lo teatral.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México
Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Brujas del Maíz es un proyecto visual creado por Ariel Priego y Lucia M. Espinosa que explora la relación entre imagen, identidad, memoria y cultura mexicana desde una mirada contemporánea, simbólica y emocional. A través de ilustración, gráfica experimental y exploración material, desarrollan piezas inspiradas en lo ritual, lo doméstico, lo fantástico y lo cotidiano, construyendo universos visuales donde distintos elementos de la experiencia mexicana dialogan entre sí.
Su trabajo toma referencias de la cultura popular, los imaginarios colectivos, la transformación corporal, la gastronomía, los objetos cotidianos, el archivo íntimo y las narrativas que habitan en la vida diaria. Vapor, humo, tinta, textura, anatomía y simbolismo aparecen constantemente dentro de composiciones que buscan generar cercanía, extrañeza y reconocimiento al mismo tiempo.
Brujas del Maíz que hechizan con su creación híbrida donde arte, sensibilidad y experiencia personal se mezclan para reinterpretar lo mexicano desde nuevas posibilidades visuales.
Salvador Banda (1996) creció en el Bajío, en un contexto marcado por contrastes que influyeron en su formación. Su experiencia se configuró entre la territorialidad y los vínculos afectivos en el ámbito post nacional. Esta condición atraviesa su práctica y orienta una reflexión sobre la pertenencia y las narrativas que nos constituyen. Su práctica se sitúa en el espacio urbano y su continua reconfiguración, así como en la noción de territorio y las identidades asociadas a este. Concibe el paisaje urbano como un palimpsesto que vela y devela capas de sentido a partir de elementos como el graffiti, el rótulo, la arquitectura y la publicidad.
Salvador observa la cotidianidad como un campo de negociación y resistencia, donde gestos mínimos y acciones aparentemente no normativas conforman un imaginario colectivo de micronarrativas frente a discursos hegemónicos. En un contexto donde el tiempo se mide desde la productividad y el control, su obra propone formas alternativas de comprender el espacio y la temporalidad más allá de modelos utilitarios y lineales.
Le interesa lo pictórico no solo como práctica material, sino como un lenguaje que estructura la percepción y permite leer el entorno como campo de significados en constante transformación. Su trabajo se articula desde una práctica expandida que dialoga con su historicidad y la ficción sin desvincularse del presente.
Actualmente radica en Ciudad de México donde cursa la maestría en Artes Visuales de la UNAM.
Conrado Lorenzana. México.
Artista visual mexicano. Su práctica explora el color como lenguaje autónomo, prescindiendo del negro y del contorno como elementos de definición. En su obra, las formas se construyen a partir del encuentro entre campos de color, contrastes y tensiones cromáticas.
Lorenzana mantiene una presencia deliberadamente discreta y entiende la creación como un territorio de libertad, alejado de la necesidad de reconocimiento personal.
Su trabajo busca que la obra exista antes que el autor y que el color encuentre su propia manera de ocupar el espacio.
Sara Cardona nació en la Ciudad de México, donde vive y trabaja. Creció en una familia de artistas de cine y teatro. Estudió en el Instituto de Arte de Kansas City, en la escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en Skowhegan, Maine, y recibió una licenciatura en Humanidades de la Universidad de Austin, TX, tanto como una Maestría en Artes Plásticas de la escuela Tyler School of Art en Filadelfia, Pensilvania. También recibió la beca Nasher Artist en el 2020 por su trabajo en escultura.
Su arte explora la intersección entre el artificio, el espectáculo, la fotografía y la construcción escénica.
Utiliza el proceso analógico de cortar y pegar para crear collages en la tradición del ensamblaje. Estos collages, tanto de cuadros como de esculturas en papel, aluminio y materiales cotidianos al estilo de arte povera, constituyen una estética arraigada en lo teatral.
Salvador Banda (1996) creció en el Bajío, en un contexto marcado por contrastes que influyeron en su formación. Su experiencia se configuró entre la territorialidad y los vínculos afectivos en el ámbito post nacional. Esta condición atraviesa su práctica y orienta una reflexión sobre la pertenencia y las narrativas que nos constituyen. Su práctica se sitúa en el espacio urbano y su continua reconfiguración, así como en la noción de territorio y las identidades asociadas a este. Concibe el paisaje urbano como un palimpsesto que vela y devela capas de sentido a partir de elementos como el graffiti, el rótulo, la arquitectura y la publicidad.
Salvador observa la cotidianidad como un campo de negociación y resistencia, donde gestos mínimos y acciones aparentemente no normativas conforman un imaginario colectivo de micronarrativas frente a discursos hegemónicos. En un contexto donde el tiempo se mide desde la productividad y el control, su obra propone formas alternativas de comprender el espacio y la temporalidad más allá de modelos utilitarios y lineales.
Le interesa lo pictórico no solo como práctica material, sino como un lenguaje que estructura la percepción y permite leer el entorno como campo de significados en constante transformación. Su trabajo se articula desde una práctica expandida que dialoga con su historicidad y la ficción sin desvincularse del presente.
Actualmente radica en Ciudad de México donde cursa la maestría en Artes Visuales de la UNAM.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.
Leticia Irene Barradas Lázaro (México) es una artista visual e ilustradora cuya obra combina dominio técnico y profundidad conceptual. Formada en Diseño Gráfico en la Universidad La Salle y con un Máster en Arte Moderno y Contemporáneo en Casa Lamm, ha desarrollado su práctica en pintura al óleo, grabado y modelado de la figura humana. Influenciada por el surrealismo, su trabajo explora simbólicamente la complejidad de la experiencia femenina y humana. Ha recibido reconocimientos en ilustración y presentado su obra en espacios de prestigio como el Museo de la Ciudad de Guanajuato y el Museo de la Mujer en Ciudad de México, incluyendo su proyecto reciente Tócate para que no te toque. Además, es docente en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad La Salle, contribuyendo a la formación de nuevas generaciones de artistas.
Brujas del Maíz es un proyecto visual creado por Ariel Priego y Lucia M. Espinosa que explora la relación entre imagen, identidad, memoria y cultura mexicana desde una mirada contemporánea, simbólica y emocional. A través de ilustración, gráfica experimental y exploración material, desarrollan piezas inspiradas en lo ritual, lo doméstico, lo fantástico y lo cotidiano, construyendo universos visuales donde distintos elementos de la experiencia mexicana dialogan entre sí.
Su trabajo toma referencias de la cultura popular, los imaginarios colectivos, la transformación corporal, la gastronomía, los objetos cotidianos, el archivo íntimo y las narrativas que habitan en la vida diaria. Vapor, humo, tinta, textura, anatomía y simbolismo aparecen constantemente dentro de composiciones que buscan generar cercanía, extrañeza y reconocimiento al mismo tiempo.
Brujas del Maíz que hechizan con su creación híbrida donde arte, sensibilidad y experiencia personal se mezclan para reinterpretar lo mexicano desde nuevas posibilidades visuales.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México
Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Salvador Banda (1996) creció en el Bajío, en un contexto marcado por contrastes que influyeron en su formación. Su experiencia se configuró entre la territorialidad y los vínculos afectivos en el ámbito post nacional. Esta condición atraviesa su práctica y orienta una reflexión sobre la pertenencia y las narrativas que nos constituyen. Su práctica se sitúa en el espacio urbano y su continua reconfiguración, así como en la noción de territorio y las identidades asociadas a este. Concibe el paisaje urbano como un palimpsesto que vela y devela capas de sentido a partir de elementos como el graffiti, el rótulo, la arquitectura y la publicidad.
Salvador observa la cotidianidad como un campo de negociación y resistencia, donde gestos mínimos y acciones aparentemente no normativas conforman un imaginario colectivo de micronarrativas frente a discursos hegemónicos. En un contexto donde el tiempo se mide desde la productividad y el control, su obra propone formas alternativas de comprender el espacio y la temporalidad más allá de modelos utilitarios y lineales.
Le interesa lo pictórico no solo como práctica material, sino como un lenguaje que estructura la percepción y permite leer el entorno como campo de significados en constante transformación. Su trabajo se articula desde una práctica expandida que dialoga con su historicidad y la ficción sin desvincularse del presente.
Actualmente radica en Ciudad de México donde cursa la maestría en Artes Visuales de la UNAM.
Regina Rojas (Ciudad de México, 1999) es diseñadora egresada de la Universidad Autónoma Metropolitana.
El dibujo fue lo que despertó su interés por el diseño gráfico. Hoy encuentra en la creatividad una excelente excusa para seguir siendo curiosa y explorar nuevas ideas. Aunque con el tiempo su trabajo ha tomado distintas formas, siempre termina encontrando el camino de vuelta a su libreta.
México 1996 / Artista Visual / Ilustradora
Maestra en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México
Docente en la Facultad de Artes y Diseño e Ilustradora.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, de igual forma ha realizado estancias de investigación en Chile y ha dictado cursos de forma internacional en Colombia.
Fue seleccionada dentro de la bienal de ilustración Pictoline en el 2024 y su trabajo ha sido publicado en diversos medios de divulgación.
Su trabajo como ilustradora versa sobre la ternura de la cotidianidad así como de la constante maravilla que la naturaleza le significa.
Vika Álvarez (Ciudad de México, 1995)
Es una ilustradora, artista visual y tatuadora mexicana que propone una exploración personal profunda y una mirada crítica tanto al interior como al exterior.
Dibuja lo que piensa y siente.
Entre sus colaboraciones se encuentran Netflix Latinoamerica, Green Peace, Adidas, Nike, Ambulante, Mubi y Pimienta Films.
Ana Jimena Flores Guadarrama (Ciudad de México, 2001) es arquitecta y artista visual mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana, cuya práctica surge del cruce entre la formación arquitectónica y los medios plásticos. Desde ese diálogo disciplinar, su trabajo explora la traducción espacial, la estética surrealista y las posibilidades de representación que emergen del trazo, la imagen y la materialidad de la superficie. Su producción artística se articula en torno a la experimentación con medios orgánicos y soportes alternativos como el café, la jamaica, las fibras y las hojas vegetales, y técnicas como la cianotipia y los medios mixtos, a través de las cuales la materia cotidiana se convierte en registro de presencia. Es cofundadora de //archivo de investigación, plataforma curatorial enfocada en arquitectura, para la que también ha desarrollado la identidad gráfica de sus ciclos de investigación. Asimismo, ha participado en el desarrollo del diseño gráfico para sellos musicales. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones individuales privadas como Registros de Infusión (2025), centrada en piezas teñidas con materiales naturales, y Ciudades de Cianotipia (2026), un mapamundi simbólico que propone la luz como agente revelador del trazo urbano.